În decorul grandios al Odeonului lui Herodes Atticus, la poalele Acropolei, Andrei Șerban a prezentat a doua sa versiune a lui Turandot, după producția de la Royal Opera House, a cărei premieră a avut loc în 1984 și care a fost reluată recent. Această nouă interpretare redă operei lui Puccini toată violența și cruzimea sa, în acest loc antic unde imaginația alunecă de la vise exaltate la coșmaruri. Ideea principală a regizorului este de a aduce pe scenă fantoma prințesei Lou-u-ling, evocată de Turandot în In questa reggia. Spectacolul începe astfel cu o pantomimă în care Turandot este martoră neputincioasă la "scena primordială" care o bântuie: Lou-u-ling este urmărită de patru bărbați care o violează și o ucid. Fantoma prințesei indignate, printr-un proces care este la fel de legat de teatrul asiatic, pe cât este de teatrul antic, o urmărește pe Turandot pe tot parcursul restului reprezentației și devine unul dintre personajele esențiale ale acțiunii. Cu pumnalul în mână, urmată de o procesiune de femei care flutură secere strălucitoare, ea este întruchiparea palpitantă a radicalismului lui Turandot, a originii și a sfârșitului ei.
Scenografa Chloe Obolensky a ales cu înțelepciune să-și construiască decorul începând cu zidul antic, cel mai frumos dintre decorurile naturale, deasupra căruia stelele și luna își aduc partea lor de poezie. Pe proscenium, un promontoriu negru din lemn domină orchestra, în timp ce mici structuri ies din stuf, precum niște estacade de teatru arhaice. La sfârșitul primului act, când apare Turandot, marele văl roșu care ocupa centrul zidului cade, dezvăluind o figură strâmbă, la fel de mult o Gorgonă, cât și un idol indonezian. Șerban nu ezită să exacerbeze dimensiunea macabră și barbară a libretului: Ping, Pong și Pang poartă coafuri din os, mulțimea și soldații se joacă cu capetele decapitate ale pretendenților, hemoglobina curge liber, iar Liù ajunge pe scenă deja acoperită de sânge înainte de interogatoriul ei din Actul III, târâtă de soldați care își pocnesc biciul. Costumele, concepute tot de Chloe Obolensky, sunt inspirate din formele și materialele Chinei antice. De remarcat este, de asemenea, omniprezența măștilor, unele amintind de teatrul asiatic, altele de comedia dell'arte, de care este legat textul original al lui Carlo Gozzi.
Corul nu este pe scenă alături de cântăreți, ci ocupă primele rânduri ale tribunelor. Îmbrăcați ca niște spectatori obișnuiți, aceștia comentează acțiunea din exterior, oferind o distanță binevenită, ca și cum epocile și zonele geografice (China antică și Grecia modernă) s-ar interoga și și-ar răspunde reciproc. Scena este întotdeauna animată de dansatori care joacă rolul de soldați sau de membri ai mulțimii. S-ar putea găsi că ansamblul este uneori supraenergizat, dar acest flux constant de energie pe scenă este eficient într-un spațiu atât de vast. Această producție, clasică în stilul său, dar foarte originală în execuție, reușește să fie atât un spectacol pentru publicul larg, cât și un spectacol stimulant pentru cei deja familiarizați cu opera, fără a cădea în kitsch-ul care afectează adesea acest tip de producție în aer liber.
Orchestra Operei Naționale Grecești se află sub bagheta atentă a lui Pier Giorgio Morandi. Există ceva barbar în vigoarea anumitor pasaje, cu timbre clare de la instrumentele de alamă și armonie discretă, lovituri ascuțite de la percuție, fără a căuta fade-out-uri excesive sau o frumusețe trudită. Când cântăreții sunt mai expuși, orchestra știe să devină mai sclipitoare și mai blândă, aducând pasiunile lor la punctul lor incandescent, fără a le îneca.
Mai mult, nu putem să nu menționăm bucuria de a putea contempla întregul ansamblu de instrumentiști din sală - în special niște muzicieni atât de excelenți - orchestrația lui Puccini fiind un spectacol în sine. În cele din urmă, minunații coriști ai Corului Operei Naționale Grecești nu merită decât laude: interpretările lor succesive sunt remarcabil de precise și coezive. Prezența lor în tribunele unde publicul urmărește spectacolul creează un efect foarte puternic de empatie, cu ei și cu acțiunea reprezentată pe scenă. La sfârșitul operei, prințesa Lou-u-ling, apărând chiar în vârful peretelui teatrului, lasă să cadă un văl roșu, sugerând că se eliberează de o povară sângeroasă și capitulează în fața iubirii dintre Turandot și Calaf. În mijlocul acestui teatru antic, începem să credem, emoționați până la lacrimi, în această idee naivă (sau pur și simplu optimistă?) că doar iubirea poate vindeca rănile și întrerupe ciclul nesfârșit al violenței.
(Foto: Valeria Isaeva, Yiannis Antonoglou și Giannis Antwnoglou)